Geschichten zu erzählen ist Unterhaltung

Im ersten Artikel über das Erzählen von Geschichten habe ich hauptsächlich das beschrieben, was die Fotografie am besten kann – oder was ihr zumindest am einfachsten gelingt – nämlich die Dinge so zu zeigen, wie sie sind. Mit anderen Worten so visuell interessant wie möglich Informationen zu übermitteln. Geschichtenerzählen jeglicher Art hat eine wichtigere Aufgabe: zu unterhalten. Wenn Sie das Interesse des Publikums nicht halten können, haben Sie ganz wörtlich den Plot verloren. Beim Erzählen von Geschichten geht es nicht immer ums Erklären und es gibt einige Gründe für Geschichten-in-einem-einzigen-Bild, die nur Andeutungen geben oder neugierig machen, und den Betrachter einladen, sich zu überlegen, was die ganze Geschichte sein könnte. Beispielsweise auf dem Bild unten, das den Stier zeigt, der über dem Mann steht, ist die Situation eklatant, und offensichtlich eindringlich. Wie ist der Mann in diese Misere geraten? Und warum? Er und wir können nur raten, was als nächstes geschehen wird. Wie auf dem Foto der kambodschanischen Tänzer wird das Publikum mitten in die Geschichte hineingeworfen. Die Verwirrung darüber, was dies alles bedeutet, macht das Bild kraftvoller, als wenn wir alle Informationen erhalten hätten.

Eine traditionelle jährliche Veranstaltung, bei der Stiere in einem einfach gebauten Stadium freigelassen werden, wo Männer ihr Glück versuchen, ihnen zu entkommen – ein Mann befindet sich in einer brenzligen Situation.

Als Betrachter müssen wir Schlüsse ziehen, ein wenig raten, uns Gedanken über die Persönlichkeiten machen – das bedeutet, unsere Fantasie wird geweckt. Aber ist dies wahres Geschichtenerzählen? Vielleicht nicht allein, aber es fesselt das Publikum, und dies war schon immer eines der wichtigsten Ziele des Geschichtenerzählens. Und es lohnt sich, im Hinterkopf zu behalten, dass selbst in einer Bildergeschichte in voller Größe aus mehreren Fotos die einzelnen Bilder Andeutungen von Minigeschichten in sich tragen, wie diese.

Suchen Sie sich Ihr Thema aus

Um eine Sammlung von Bildern über ein bestimmtes Thema zu einer Geschichte zu machen, muss es eine Linie des Interesses für den Betrachter und Leser geben. Mit anderen Worten, eine Handlungslinie. Im Grunde braucht eine Geschichte einen ‚Aufhänger‘, ein eindeutiges Thema, das nicht so offensichtlich ist, dass das Publikum die Geschichte erraten kann, und das Bild interessant bleiben lässt. Einer der stärksten Ansätze ist es, ein Thema zu finden, das wirklich ungewöhnlich und neu für das Publikum ist (und auch noch interessant klingt!), doch wenn wir uns hinsetzen und überlegen, was das für ein Thema sein könnte, werden wir feststellen, dass originelle Geschichten in der modernen, mediendominierten Welt schwer zu finden sind.

Wahrscheinlicher ist eine Geschichte, die schon einmal erzählt wurde, bei der Ihr Gefühl Ihnen aber sagt, dass Sie sie besser erzählen können. In diesem Fall kann es ein wenig Fantasie erfordern, ein spannendes Thema oder einen ‚Aufhänger‘ zu finden. Meist müssen Sie nach einem neuen ‚Winkel‘ für das Thema suchen. In der Welt der professionellen Verlagswelt ist es nicht unüblich, dass ein Herausgeber sagt: „Lasst uns eine Geschichte zu diesem bestimmten, bekannten Thema machen… aber wir müssen etwas Neues finden, das wir dazu sagen können.“ Auch wenn Fotografen keine solche Aufgabe erhalten, müssen sie eigenständig einen ähnlichen Prozess durchlaufen. Sagen wir, Sie wollen eine Fotogeschichte zu einem Ort oder Event erstellen, einfach weil Ihnen danach ist, weil Sie sich von dem Thema angezogen fühlen. Von diesem Ausgangspunkt aus müssen Sie Ihren eigenen, besonderen ‚Ansatz“ an das Thema finden, der es von allen anderen hervorhebt. Ansonsten geben Sie dem Publikum, auf das Sie hoffen, keinen besonderen Grund, hinzusehen. Wenn die Leute das Thema schon kennen, warum sollten sie sich damit befassen?

Ich möchte dies anhand eines Fotobuchs veranschaulichen, an dem ich momentan arbeite. Es handelt von der Stadt Cartagena in Kolumbien, einem Ort, den ich gut kenne und jedes Jahr über einen Monat lang besuche. Ich möchte, dass das Thema sich von den vielen schon veröffentlichten Büchern (alle in Südamerika) zu dieser bekannten Touristenstadt unterscheidet. Typischerweise konzentrieren die Bücher sich auf die Monumente, Festungen und Gebäude, die zugegebenermaßen interessant sind, aber schon viel zu häufig fotografiert wurden. Ignoriert wurde bisher das pulsierende und eigentümliche Leben der Menschen in dieser karibischen Stadt, wo ein Großteil des Lebens sich auf der Straße und im Freien abspielt, mit viel sozialer Interaktion. Das Verhalten ist sehr Lateinisch – animiert, aufgeregt, lautstark und farbenfroh. Fotografisch ist dies natürlich eine größere Herausforderung als Gebäude zu fotografieren, und wurde bis dato noch nicht als Buch veröffentlicht. Das also ist der ‚Aufhänger‘ für diese Geschichte.

Fotografieren Sie so, dass Sie visuelle Vielfalt erzielen

Am Schluss des letzten Artikels (Teil 1) erwähnte ich, wie wichtig es ist, Vielfalt einzuplanen, und beim Fotografieren bedeutet dies, geistig wach zu bleiben, um andere Herangehensweisen zu finden. Die folgenden sind am einprägsamsten:

• Vielfältige Motive
• Vielfältige Formate
• Vielfältige Kamerawinkel
• Vielfältige Beleuchtung

Die folgenden Bildpaare aus dem Cartagena-Shooting illustrieren einige der endlosen Möglichkeiten. Als erstes vielfältige Motive….

 

Als nächstes die vielfältigen Formate. Wenn eine Geschichte vermittelt wird, sei es im Print oder auf dem Bildschirm, sind die Bilder in einer Sequenz angeordnet, Abwechslung wie diese hilft also dem Tempo und dem Rhythmus, indem sie dem Betrachter einen kleinen visuellen Ruck gibt.

 

Dann die vielfältigen Kamerawinkel, also Ihr Blickwinkel. Standard ist die Augenhöhe im Gehen, alles, das davon abweicht, erregt also Aufmerksamkeit…

 

Und vielfältige Beleuchtung. Auch hier sollten die beiden folgenden Bilder wieder selbsterklärend sein…

 

Bearbeitung einer Geschichte

Die Bearbeitung von Bildern egal zu welchem Zweck ist – oder sollte es zumindest sein – weit mehr als ein mechanischer Prozess der reinen Anordnung und Auswahl. Sie ist in zweierlei Hinsicht eine kreative Aktivität. Erstens, weil sie eine nahtlose Erweiterung des Fotografierens sein sollte, aus dem simplen Grund, dass Sie, wenn Sie mehrere oder viele Bilder einer einzelnen Szene oder eines längeren Moments aufnehmen, fast immer mit dem Ziel fotografieren, das bestmögliche Bild aus der Sequenz aufzunehmen. Mit anderen Worten ahnen Sie im Augenblick des Fotografierens voraus, welches dieser Bilder das beste sein könnte, was bedeutet, dass Sie automatisch bis zur Bearbeitung vorausdenken, womöglich sogar, ohne das Ihnen das klar wird.

Zweitens ist die Bearbeitung aufgrund der Art und Weise, wie die Fotos verwendet werden, ein kreativer Vorgang. Die gemeinsame Präsentation von Fotos ist ein sehr kreativer Akt, und ob es ein Buch, eine Galerieausstellung, eine Diashow oder sogar ein aus Standbildern erstellter Film ist: Sie erwacht immer zu neuem kreativem Leben, das größer als die bloße Summe ihrer Bestandteile sein kann. Wenn die Bearbeitung also den Zweck verfolgt, Bilder auszuwählen, um eine Geschichte zu erzählen, müssen Sie beginnen, über neue Techniken und neue Möglichkeiten nachzudenken, Wirkung auf Ihr Publikum zu erzielen.

 

Unweigerlich gibt es eine Abfolge des Bearbeitens, die mit dem Zeitpunkt des Herunterladens beginnt, und sich in den reinen Bearbeitungsaktivitäten der Gestaltung eines Fotobuchs oder Erstellung einer Diashow fortsetzt. Es ist praktisch, diese in separate Stufen aufzuteilen, in Wahrheit gehen aber alle ineinander über und werden zu einem kontinuierlichen Prozess, in dem Fotos sich in Geschichten verwandeln.

 

Der erste Schritt bei der Bearbeitung ist jedoch die Auswahl eines Grundstocks aus verwendbaren Bildern, egal wie viele Sie aufgenommen haben, egal in welchem Zeitraum. Dies ist im Grunde die fotografische Bearbeitung, im Gegensatz zur gestalterischen Bearbeitung, die folgt. In der ersten wird die Auswahl der besten aufgenommenen Fotos getroffen; in der zweiten geht es um die besten Bilder zur Verwendung im Layout. Als erstes also die fotografische Bearbeitung, für die es eine Reihe von Techniken gibt, ein sehr wertvoller Ausgleich besteht jedoch darin, alle Aufnahmen auf zwei Weisen zu betrachten, wenn möglich bei zwei verschiedenen Gelegenheiten. Die erste Möglichkeit, ist das Shooting ’nachzuerleben‘, sich an die Entscheidungen zu erinnern, die Sie damals getroffen haben, und daran, was damals Ihrer Meinung nach die besten Aufnahmen waren. Die gilt besonders für Shooting-‚Blöcke‘, in denen Sie auf einen finalen Frame abzielen, doch um ihn zu bekommen, mehrere oder viele machen müssen, und so eine Situation allmählich verbessern, wenn sie mehr als ein paar Sekunden andauert. Die zweite Möglichkeit ist die objektive Betrachtung: Versuchen Sie, sich vom Feuer des Shootings zu distanzieren und betrachten Sie Ihre Bilder länger und kühler.

Das Shooting endete mit etwa 400 Bildern, die meiner Ansicht nach die Aufnahme in das Buch verdienten, und ich werde sie auf etwa 200 reduzieren, zum Teil aus praktischen Druckgründen und aufgrund der Kosten. Zudem sind einige Bilder nur verwendbar statt sehr gut, und es ist immer besser für die Qualität, zu reduzieren statt auszubauen, zu eliminieren statt hinzuzufügen.

Ich versuche, diese beiden Ansätze an die Bearbeitung separat voneinander umzusetzen. So weit es mir möglich ist, lade ich jeden Tag meine Fotos herunter und führe eine vorläufige Bearbeitung aus, während mir das Shooting noch frisch in Gedanken ist, und ich konzentriere mich auf die Bilder aus den Aufnahmen des Tages, die meiner Erwartung nach gut sein sollten. Meine Routine am Tagesende beginnt mit dem Herunterladen der Speicherkarte, mit Hilfe eines speziellen Browsers (PhotoMechanic), dem Umbenennen und Ablegen der Dateien in Ordnern, Löschen aller offensichtlichen Fehler und dem Hinzufügen von Bildunterschriften. Ich markiere sofort die Aufnahmen, die mir als die besten in Erinnerung sind, mit Hilfe einer Sternebewertungsmethode. Dann gehe ich jeden Shooting-‚Block‘ durch, erinnere mich an die Entscheidungen, die ich von einer Aufnahme zur nächsten getroffen habe, und wähle schließlich eins (eventuell zwei) aus jedem ‚Block‘ aus und markiere es mit einem Stern. Aus den markierten Aufnahmen erstelle ich dann eine Rangliste. Die Idee dahinter ist, dass ich dann eine Gruppe mit der ‚1. Wahl‘ erhalte und eine zweite, meist größere Gruppe mit der ‚2. Wahl‘.

Die zweite Bearbeitung ist oft einige Wochen später, wenn ich von der Reise wieder heimgekehrt bin, diese ist methodischer und gelassener – ich gehe alles so objektiv wie möglich durch, versuche, aufgeschlossen zu bleiben und mich nicht davon beeinflussen zu lassen, wie viel Aufwand in die jeweiligen Bilder eingeflossen ist. Aufwand ist nicht immer mit Erfolg gleichzusetzen! Der zeitliche Abstand zwischen der Aufnahme und dieser Bearbeitung ist wertvoll, solange Sie offen dafür bleiben, Bilder in Betracht zu ziehen, die Sie damals vielleicht verworfen hätten, und sich auch nicht auf Bilder fixieren, die Sie damals für Gewinner gehalten haben. Bis zur zweiten Bearbeitung habe ich viele der Entscheidungen hinter dem Wechsel von einer Art von Aufnahme zu einer anderen vergessen.

Als nächstes kommt die gestalterische Bearbeitung und diese kann sehr wohl mit Ihnen als Designer und Fotograf zugleich erfolgen, beispielsweise, wenn Sie Ihr eigenes Buch oder eine Diashow zusammenstellen. Wichtig hierbei ist, dass Sie sich vom Shooting distanzieren und in die andere Persönlichkeit eines Designers schlüpfen – also einen eher redaktionellen Blickpunkt einnehmen. Der kritische, entscheidende Aspekt hierbei ist, die Bilder in einer Sequenz anzuordnen. Im Falle des Beispiels, das ich hier verwende, das im Grunde ein erweitertes Porträt einer Stadt ist, gibt es keine Narrative, die offensichtliche Struktur liegt also darin, Kategorien wie Institute, Bildung, Industrie, Handwerk, das Meer, Kirchen, Kleidung und Mode und so weiter durchzugehen. Der nächste Schritt ist es, die Fotos so anzuordnen, dass zwischen ihnen eine Art natürlicher Verbindung entsteht. Institute wie das Rathaus und die Polizeistation könnten zum Beispiel in Schulen, Universitäten und dann in Bücher, Sport und so weiter übergehen. Idealerweise genügt der natürliche Fluss von einem zum anderen, sodass Sie keine holprigen Titel einfügen müssen. Hier kommt die Kunst der Bearbeitung ins Spiel, die Begabung zeigt sich darin, eine Möglichkeit zu finden, die Fotos so anzuordnen, dass sie ganz natürlich von einem Thema in das nächste fließen. Beispielsweise kann ich Kunst so gruppieren, dass wir von einem Konzeptkünstler/lokalen Künstler zu einem berühmten Maler übergehen, zu einem von ihm dekorierten Theater, zu einem Musikkonzert in diesem Theater, zu Musik im Allgemeinen und zu Folkloremusik. Selbstverständlich wird es komplette Brüche geben, aber mit diesem Ansatz kann ich sie auf ein Minimum beschränken. Die allgemeine Gruppierung ist auch als erster Schritt im Umgang mit 400 Bildern nützlich, von denen die Hälfte verworfen werden müssen. Am Ende habe ich 23 Bildergruppen, in denen jeweils zwischen 8 und 20 Bilder sind. Jetzt kann ich die Anzahl viel einfacher zusammen kürzen, besonders bei der Auswahl zwischen Aufnahmen, die sehr ähnlich sind, bis ich etwa 260 Fotos habe.

 

Nach dieser allgemeinen Bearbeitung folgt die detaillierte Anordnung und es gibt zwei Arten der Auswahl, die ich treffen muss. Die erste ist die Wahl der ersten und letzten Fotos in jeder der Gruppen, und dies ist wichtig, da das die Bilder sind, die wirklich den Übergang von einer Themengruppe in die andere vermitteln werden. Hier nutze ich ein System, das ich die ‚Dominoverbindung‘ nenne.

Im Dominospiel werden die Steine in einer Reihe angeordnet, wobei die Anzahl der Punkte an einem Ende jeweils mit dem nächsten Stein übereinstimmt. Auf das Ordnen von Bildern angewandt, die von einem ‚Satz‘ zum nächsten wechseln, ist es ideal, ein Bild zu finden, das die Lücke zwischen den Bildsätzen (auf gewisse visuelle Weise) überbrückt. Mit anderen Worten: Es gilt, eine Verbindung zu finden. Die Illustration oben zeigt, wie dies funktioniert. Es gehört ziemlich viel Glück dazu, eine Verbindung zu finden, erfordert aber auch ein wenig Fantasie. Ich habe zum Beispiel ein Bild von einer Frau im Bikini am Strand, was natürlich in die ‚Strände und Wasser‘-Gruppe gehört. Aber in ‚Kleidung und Mode‘ habe ich einige Aufnahmen hinter den Kulissen einer Modeschau, auch mit Bikinis. Das genügt, um ‚Kleidung und Mode‘ direkt auf ‚Strände und Wasser‘ folgen zu lassen.

Die zweite Art von Auswahl, die ich treffen muss, ist die Art des Layouts, die wir am Beginn ausgewählt haben. Diese ist recht typisch für ein reines Fotobuch – ein Bild pro Seite mit einer sehr kurzen Bildunterschrift, ab und zu durchbrochen von einem größeren Bild über zwei Seiten (was nützlich für die wenigen Panoramabilder ist, die ich habe). Das Format, im Verlagswesen die Maße oder Form, ist quadratisch, und auch dies ist ziemlich häufig für Fotobücher, da so vertikale, horizontale oder quadratische Bilder gezeigt werden können, ohne viel Platz zu verschwenden. Es bedeutet auch, dass auf jeder Doppelseite eine Verbindung zwischen den beiden gegenüberliegenden Fotos besteht, ob es einem gefällt oder nicht. Die beiden können im Auge des Betrachters zu einem Paar werden, obwohl sie wahrscheinlich ohne einen Gedanken an das andere aufgenommen wurden. Dies kann Zwang und Chance zugleich sein. Sie könnten unbeabsichtigte oder sogar unangemessene Andeutungen machen, dass die beiden verbunden sind. Aber wenn Sie es positiv und kreativ angehen, wird dies zu einer faszinierenden Übung im Anordnen.

Dies ist eine andere Art des Anordnens als wir sie vom Fotografieren gewohnt sind, wenn Sie einen Blickpunkt finden, der zwei Motive im selben Bildausschnitt vereint und ihnen so eine Beziehung verleiht, wie Sie sie sehen. Die eventuell keine reale, tatsächliche Beziehung ist. Die gleiche Idee, Ihre Ideen auf die sich verändernde Welt vor der Kamera zu übertragen, besteht in der Bearbeitung weiter, jetzt arbeiten wir jedoch an zwei völlig verschiedenen Bildern, die Seite an Seite liegen. Und kurz gesagt geht es hierbei komplett um das visuelle Geschichtenerzählen. Wir schaffen Verbindungen, und vermitteln dem Publikum Ideen und Urteile. Wilson Hicks, der große Bildredakteur des Life-Magazins in seiner Blütezeit von 1937 bis 1950 prägte den Begriff ‚Der Dritte Effekt‘ für die zusätzliche, unerwartete Bedeutung, die eintreten kann, wenn Sie zwei Bilder nebeneinander anordnen, die aus verschiedenen Shootings stammen, aber eine Gemeinsamkeit andeuten. Damit drückte er aus, dass darin „die individuellen Effekte von der interpretativen und bewertenden Reaktion der Leser verbunden und verstärkt werden“. Was bedeutet, dass der Betrachter Zufälle oder Übereinstimmungen bemerkt und beginnt, weiter über die beiden Bilder und ihre Beziehung nachzudenken.

Ein unerwarteter und sehr glücklicher Zufall. Der markante, breitkrempige Hut ist typisch für die Karibikküste Kolumbiens und findet sich daher gelegentlich in der Stadt. Ich hatte bereits das Bild rechts, gemalt auf die Rückseite einer Pferdekutsche in den Nationalfarben Kolumbiens, wie sie auf der Landesflagge erscheinen. Viel später fand ich zufällig einen Bauarbeiter, der beschlossen hatte, seinen Sicherheitshelm über seinem Hut zu tragen – was schon für sich allein ungewöhnlich genug war, um ihn zu fotografieren, doch es bot den zusätzlichen Bonus, dass ich später den grafischen Zufall ‚Gelb oben‘ entdeckte.

 

Wenn ich alle Bilder gruppiert vor mir habe, suche ich nach Vergleichen, Kontrasten und Rhythmen, die eine Fülle an Eigenschaften ausloten: Motiv, Format, Aktivität, Licht, Farbe, Schlüssel – alles, das eine visuelle Verbindung zwischen dem jeweiligen Paar schafft. Dies ist der wahrscheinlich umfassendste Bearbeitungsschritt für dieses spezielle Buch und wird den größten Einfluss darauf haben, wie es von den Lesern aufgenommen wird. Dieser Schritt macht außerdem Spaß, zumindest wenn ich ein unerwartet passendes Bildpaar finde, und wenn das Verbindung der großen Gruppen ein wenig Ähnlichkeit mit Dominos hat, dann ist es eher wie Kartenspielen.

 

Ein sehr offensichtliches Paar, sobald ich es ausgewählt hatte, aber es war reiner Zufall, dass ich einen Softdrink-Verkäufer mit einem Wagen fand, auf den ein Fußballspieler in fast genau der gleichen Position aufgemalt war wie der Junge, den ich viel früher fotografiert hatte.

Zufallspunkte:

• Zwei Mädchen, selbe Hautfarbe, selbe Gesichtsgröße, weiße Augen, die nach innen blicken
• Beides sind Bilder über Essen (Straßenstand und lokales Restaurant)

 

 

Zufallspunkte:

• Gleiches Thema: Frisieren
• Toller Kontrast zwischen Modenschau und Straßenfriseur

 

Zufallspunkte:

• Gleiches Motiv: Treiben auf der Straße
• Weitwinkel
• Zwei blaue Figuren rechts, die gehen/wegrennen

 

Und letztlich, um zu zeigen, dass das Finden von Bildpaaren über das rein Visuelle hinausgehen kann, sind hier zwei Bilder, die einen gesellschaftlichen Kommentar abgeben. Links ist ein weißer Preisstier, der einem wohlhabenden Bauern gehört – wohlhabend genug, dass das Ranch-Haus einen eigenen Swimming-Pool hat, während rechts die Dorfbewohner ihre Tiere auf die einzig mögliche Weise zum Weiden auf eine nahe gelegene Insel bringen. Die Vergleiche verstärken den sozialen Kontrast.

 

Zufallspunkte:

• Zwei weiße Kühe
• Blaues Wasser
• Völlig verschiedene soziale Umstände